Noticias de la Pantalla Grande

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Muere Danny Leiner, director de ‘Colega, ¿dónde está mi coche?’ y ‘2 colgaos muy fumaos’

sábado, octubre 20, 2018 Recopilado por: AGNUS® PUBLICIDAD 0 comentarios

Muere Danny Leiner, director de ‘Colega, ¿dónde está mi coche?’ y ‘2 colgaos muy fumaos’

Danny Leiner, responsable de dos de las comedias más representativas de la comedia juvenil fumeta americana, acaba de dejarnos tras una larga batalla con la enfermedad.

A sus 57 años, Leiner se va con el honor de haber puesto en órbita a Harold y Kumar, dos personajes inolvidables que han protagonizado tres obras superiores de la stoner comedy y a los que Leiner presentó al mundo en una comedia inolvidable.

Pero no solo de comedia fumeta vivió Danny Leiner, que aportó su conocimiento del género en diferentes iconos televisivos como 'Las chicas Gilmore', 'Arrested Development', 'Los Soprano' o 'The Office', suficientes muestras que definen la categoría de uno de esos autores modestos y humildes que nunca dijeron una palabra más alta que otra.

Su segundo largometraje, "Colega, ¿dónde está mi coche?", fue un éxito descomunal para una comedia modesta de 13 millones de dólares, y recaudó 73.2 millones de dólares en la taquilla mundial. A pesar del éxito de su otro clásico de la comedia moderna, ‘2 colgaos muy fumaos’, Leiner no dirigió ninguna de las dos secuelas de su película. Sus amigos se despiden por twitter. Descanse en paz.

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Escape Room: Potente primer cartel de uno de los estrenos de terror más esperado de 2019

sábado, octubre 20, 2018 Recopilado por: AGNUS® PUBLICIDAD 0 comentarios
Llega un potente cartel de la película de terror 'Escape Room'. Contando con un llamativo argumento que debutará en cines en los albores del próximo año 2019.
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Guerra de simbiontes: comparamos a fondo y elegimos el mejor de los Venom del cine

sábado, octubre 20, 2018 Recopilado por: AGNUS® PUBLICIDAD 0 comentarios

Guerra de simbiontes: comparamos a fondo y elegimos el mejor de los Venom del cine

Pese a ser el villano más popular de los comics de Spider-Man desde que nació en los años ochenta, su paso por la gran pantalla ha sufrido unos cuantos baches. Su aparición en 'Spider-Man 3' dejó un sabor agridulce tanto por la limitadísima manera en la que eran aprovechadas sus posibilidades como por el claro desinterés de Sam Raimi, y su película en solitario ha dejado opiniones variadas y contradictorias por el camino, pese al notorio bombazo de taquilla.

Sin embargo, si enfrentamos a ambas interpretaciones del personaje, veremos que la versión de Raimi tenía aspectos muy interesantes que se han dejado de lado en la de Hardy, empezando por su claro nexo con el Universo Spider-Man. Así que hemos estructurado este combate en cinco puntos con los que analizaremos los elementos primordiales de estas dos versiones del simbionte arácnido. ¿Quién crees que enseñará más los dientes?

1 - Fidelidad general al comic

A estas alturas ya nos conocemos y sabemos que la fidelidad al original no necesariamente es un valor: saber traicionar en los momentos adecuados también puede sumar puntos a favor. En este caso, ninguna de las dos adaptaciones es tremendamente fiel y en determinados momentos se toman sus libertades. Originariamente el simbionte tenía, simplemente, rasgos de uniforme: el famoso traje negro de Spiderman, de características regenerativas y que el héroe encontró en las popularísimas 'Secret Wars' de 1984.

Secretwars

El problema es que el traje es muy exigente: potencia la rapidez y reflejos de Peter Parker, pero también le convierte en alguien muy irritable e incapaz de conciliar el sueño. Este traje-cocaína (la metáfora no es demasiado disimulada que digamos) se encapricha con Parker, y cuando éste intenta volver a una existencia más saludable, el simbionte no se deja. Tras varias intentonas de abandonarlo, Spider-Man consigue deshacerse del extraño organismo parasitario y éste se alía con Eddie Brock, rival en la vida civil de Peter Parker al que dota de extraordinarios poderes y una notable sed de sangre.

Desde entonces, Venom, como buen superhéroe, ha ido cambiando según la personalidad e intenciones de los artistas que se han ocupado de él en cada momento, pero ha llegado a librar guerras con otros simbiontes y a convertirse en arma gubernamental. Aunque Brock es su dueño más conocido, hay otros Venom, incluyendo el mítico secundario del Universo Spider-Man Flash Thompson o Miss Marvel, entre otros huéspedes de ambos sexos.

Está claro que, en estos términos, es el Venom del 'Spider-Man 3' de Raimi el que más elementos prestados toma de este origen: la presencia del héroe arácnido como primer huésped del simbionte, la relación tensa de Parker y Brock que se magnifica cuando el alienígena se alía con este último... sin embargo, los datos biográficos fríos no lo son todo: la corpulencia, el talante sádico y el aspecto alienígena que han dado la fama al Venom de los comics (una explotación de un xenomorfo de 'Alien', a su manera) está mejor traducida a imágenes en la película de Tom Hardy.

Venomcomic

Así que zanjamos este punto con empate técnico: ambas versiones tienen una inspiración muy clara en el personaje original de los comics, y éste es reconocible. Al menos lo es en mayor medida, y pese a las inevitables libertades, que adaptaciones mucho más libres de personajes del Universo Spider-Man como el Electro de 'The Amazing Spider-Man 2' o el Duende de la primera entrega de Raimi.

2 - Argumento y origen

En 'Spider-Man 3', el simbionte llega directamente a la Tierra en un meteorito que aterriza en Central Park. Mientras Peter Parker duerme con el traje de Spider-Man puesto tras una riña con Mary Jane, la criatura le toma como huésped y lo controla mientras duerme, sacando además su lado más oscuro a la luz (piropea a las chicas y se cambia de peinado). Por otro lado, Parker se enfrenta a Eddie Brock, un fotógrafo rival que presenta al héroe como criminal.

Cuando Parker demuestra que Brock es un plagiario, éste es despedido y al rechazar Spider-Man definitivamente al simbionte, éste toma a Brock como huésped y ataca a las personas cercanas a su enemigo. Acaba fulminado por una de esas ideas tan de cómic de superhéroes que quedan fatal cuando son traducidas a imágenes en movimiento y que aquí se salva gracias al brío visual de Raimi: los sonidos penetrantes (primero una campana, luego unas varas de acero en un edificio en construcción -!!!-) hacen perder el control al simbionte.

En cuanto a 'Venom', es una misión de una corporación científica la que trae al simbionte a la Tierra después de descubrir esta forma de vida en un cometa. Cuando se estrella en nuestro planeta, la empresa recoge las muestras y descubre que los alienígenas no pueden vivir sin el oxígeno de un huésped. Brock, un periodista de investigación que está arruinado tras investigar los tratos sucios de la corporación Life, se introduce en secreto en los laboratorios y es atacado por el simbionte. Así descubre que en realidad el cometa era una forma de desplazarse de los simbiontes en busca de nuevos mundos que conquistar.

Según Brock va haciéndose a los poderes sobrehumanos que le otorga el simbionte, descubre que éste le está dañando órganos vitales y que la única forma de acabar con él es, como en el cómic y en la película de Raimi, con fuego y sonidos penetrantes. Brock y Venom deberán enfrentarse al otro simbionte que queda en la Tierra, Riot, que pretende usar los recursos de la corporación para viajar hasta el cometa y traer al resto de los de su destructiva raza al planeta.

La aproximación a la idea de una entidad alienígena que aprovecha los recursos fisiológicos que le proporciona una forma de vida nativa, a la que parasita a la vez que potencia está presente en ambas películas, pero indiscutiblemente de forma mucho más clara en la de 2018. En ambas se parte de la misma base, pero en 'Venom' se explota con más acierto la idea de una forma de vida extraña que acaba entendiéndose con su huésped, hasta formar un nuevo organismo diferenciado y único, resultado de la unión de fuerzas. También en esta entrega está la idea del paria entre los de su raza, un proscrito entre simbiontes y entre terrestres.

La película de Raimi estaba más en sintonía con la metáfora del simbionte como una droga cuyo abuso cambia personalidades, distancia de los seres queridos y crea una adicción dañina. 'Spider-Man 3' prefería considerar a Venom un organismo parasitario, y el espectador siempre lo ve como un villano, en parte porque se nota que Raimi no le encuentra la dimensión trágica de los enemigos clásicos del arácnido, pero también porque no sabe plasmar el lado atractivo del simbionte. El resultado es que aunque el origen del simbionte en la película de Raimi es más fiel al cómic, la forma de plasmarlo de 'Venom' es más sugestiva y, en último término, más afín a la esencia del personaje.

3 - Presencia física

Las diferencias más patentes entre ambas versiones de Venom están en este apartado. En el film de 2007 se nos muestra claramente que el origen del aspecto de Venom está en su primera encarnación como traje de Spider-Man, de ahí la textura de su piel tipo spándex (con modificaciones, como la capacidad de regenerarse), el logo de la araña en el pecho y la icónica disposición de los ojos. Del mismo modo, este Venom es mucho menos corpulento y musculoso: es, esencialmente, un traje negro de Spider-Man, incluso cuando usa a Brock como huésped, donde apenas crece de tamaño.

Sin embargo, Venom encarnado por Tom Hardy es más similar al exageradísimo alienígena original, lo que lo convierte en el gran punto fuerte de la irregular película de Ruben Fleischer. Con unos efectos CGI lógicamente muy superiores a los de 2007, este Venom muestra una piel líquida, repulsiva, casi de alquitrán, más lógica dadas sus capacidades multiformes. La boca es puro Venom, con varias hileras de dientes -reconectando con el espíritu de imitación de Alien del original- y una lengua babosa y enorme. Del mismo modo, los ojos son más pequeños, quizás intentando distanciarse del parecido con Spider-man.

En general, el Venom de Hardy es más agresivo y aterrador, pero lo exagerado de sus rasgos y su mayor expresividad (el Venom de Raimi solo la tenía cuando descubría la cara de su huésped) le dan también mayor carisma. Es decir, es más fácil encontrar en la versión de 2018 los rasgos visuales que ayudaron a convertirle en el gran antihéroe Marvel de los noventa.

4 - Poderes

La inspiración directa del Venom de Raimi en Spider-Man hace que sus poderes tengan mucho más sentido: lanza redes, se pega a las paredes, tiene la fuerza proporcional de una araña y la agilidad sobrehumana aún más potenciadas... Es, esencialmente, un Spider-Man bañado en negro, con sus mismas características pero movimientos y actitud mucho más violentos y malignos.

El Venom de 2018 se encuentra con su segunda gran dificultad -después del aspecto- a la hora de desvincular su origen de Spider-Man (¿hasta qué punto, por cierto, es una buena idea? ¿Habrá intención de que choquen en un futuro en una película del héroe?). El film de Ruben Fleischer sale, sin embargo, medianamente airoso del empeño, gracias al empleo del cuerpo semilíquido del simbionte para sustituir las redes: los tentáculos, protuberancias y apéndices que en los cómics a menudo son mera estética aquí funcionan a modo de redes, y lo cierto es que su empleo en las secuencias de acción da pie a algunos de los momentos más inspirados de la película. En cuanto a la superfuerza, agilidad y subirse por las paredes, se ha convertido en una nota tan común en el superheroismo audiovisual que nadie piensa ya en Spider-Man al verlo aplicado a Venom.

5. Brutalidad y humor negro

Para muchos fans del Venom de los comics, esta será su característica primordial, por encima de cualquier otra consideración de aspecto, poderes u orígenes. Es lo que lo convirtió en una estrella: la brutalidad y frontalidad de su sentido del humor, a veces tirando del tópico del forastero en tierra extraña, a veces confrontando su pasión por la violencia explícita con los modales mucho más estrictos de los héroes o con su propia y arbitraria ingenuidad alien.

Salvo algún comentario aislado, esta característica se perdía en el Venom de Raimi, que plasmaba su bilioso sentido del humor cambiando el comportamiento de Peter Parker con una radicalidad y ridiculez que nunca se vio en su soporte original. Para todo lo demás, Venom era ferocidad y violencia, pero no comentarios jocosos sobre ingestión de órganos. Sin duda, el desinterés de Raimi por el personaje, que ha sido sobradamente documentado, fue lo que hizo que no se molestara en caracterizarlo con un poco más de salero, y lo que lo convirtió en una versión ultraviolenta de Spider-Man, sin más.

En cambio, la versión de Hardy acierta de pleno, y aunque hubiera sido realmente interesante ver cómo el sentido del humor del simbionte se hacía aún más brutal con una calificación R, lo cierto es que entre líneas se detecta un tonillo malicioso muy estimulante. Tom Hardy y su espectacular trabajo vocal también hacen mucho por dotar de carisma al alienígena, y su sorprendente registro como comediante físico redondea una encarnación de Venom que cojea por cuestiones posiblemente relacionadas con las injerencias de Sony en la post-producción del film, pero desde luego no por la plasmación del antihéroe en pantalla.

Posiblemente este último punto resume bien los pros y los contras de cada película: más fiel a la letra y más respetuosa con los orígenes arácnidos la de Raimi, pero carente de humor y carisma. Las libertades que se toma la versión de 2018 escocerá a los puristas de las adaptaciones, pero sin duda el resultado está más cerca de una aproximación definitiva al personaje. Ya lloraremos con Matanza.

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Luke Cage: También cancelada tras dos temporadas

sábado, octubre 20, 2018 Recopilado por: AGNUS® PUBLICIDAD 0 comentarios
La serie de televisión 'Luke Cage' también dice adiós a su andadura en Netflix. Continuando con la línea de cancelaciones de todas las producciones que unían a Marvel y Netflix.
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Las 19 mejores series documentales sobre criminales

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Las 19 mejores series documentales sobre criminales

En 2015, con la llegada de 'The Jinx' y 'Making a Murderer' (que acaba de estrenar su segunda temporada) se dio inicio a una nueva era dorada de un género fascinante: el true crime, es decir, los crímenes reales. Desde entonces hemos visto decenas de documentales, docudramas y ficciones sobre algunos de los crímenes y asesinatos más peculiares y, a poco, picamos hasta el fondo con ellos.

Porque, admitámoslo, dadnos un caso interesante y un par de giros y estamos con las uñas clavadas en el sofá para intentar saber qué pasó realmente. Hoy en Espinof hemos seleccionado las 19 mejores series documentales sobre crímenes (y criminales): un grupo de series de más o menos episodios pero que presentan un visionado tan fantástico como, a veces, frustrante (en el buen sentido).

'Making a Murderer', de Laura Ricciardi y Moira Demos

Comenzamos con el documental que nos ha dado pie para hacer esta lista. En 2015, el caso de Steven Avery saltaba a Netflix en lo que sin duda fue una de las sensaciones del año. Durante los diez episodios de su primera temporada, y los ocho de la segunda, exploramos el caso y lo que llevó a la fiscalía a intentar meter a Avery en la cárcel.

'Crímenes imperfectos'

Crímenes imperfectos

Reconozcamos que esta lista no podría estar completa sin el clásico y referente para toda una generación que es 'Crímenes imperfectos' ('Forensic Files'), que suma una friolera de cuatrocientos episodios. Aun siendo más "reportaje" que documental, es increíble lo bien que engancha al espectador explorando, desde el punto de vista de la prueba científica, numerosos casos criminales.

'Cold Justice'

Cold Justice Tv Personality Ftr

Con bastante menos influencia pero con una acogida notable, por lo menos en EEUU, 'Cold Justice' es un docu-reality en el que Kelly Siegler, antigua fiscal, reúne a un grupo de investigadores para reabrir casos de asesinatos sin resolver y, en una serie secuela, casos de agresiones sexuales.

'Wild Wild Country', de Maclain y Chapman Way

Me encanta que 'Wild Wild Country' no solo sea el documental del año y una de las mejores series... sino que, además, encapsulado en lo que hubiera podido ser una anécdota ("comuna tipo hippie que construye una ciudad ante la atónita mirada de gente conservadora") se convierte en un apasionante retrato de Osho y, sobre todo, de Sheela y su conspiración criminal.

'Un golpe maestro', de Barbara Schroeder

La verdad es que el que Netflix decidiera traducir el título de esta miniserie documental ('Evil Genius') hace que pierda algo de gracia. Este relato de un atraco planificado hasta el último detalle deja entrever unas mentes maestras altamente macabras y te deja un poco de mal cuerpo el ver todo lo que pasa por las mentes de los protagonistas.

'The Keepers', de Ryan White

De monjas y curas va la cosa con el misterioso asesinato de la hermana Cathy Cesnik, profesora de un instituto católico. El documental abraza la teoría de que su muerte fue parte del encubrimiento de un caso de pederastia por parte de un sacerdote profesor de la institución.

'Wormwood', de Error Morris

Si ya con 'The thin blue line', Errol Morris decidió innovar y no quedarse en el mero documental si no que se metió de lleno en el docudrama (bien realizado), en 'Wormwood' da un paso más y realiza una propuesta arriesgada y fascinante que pretende intentar responder quién es el responsable de la muerte de un científico asociado al proyecto MK-Ultra.

'The Staircase', de Jean-Xavier Lestrade

Este es, casi con toda seguridad, la serie "fundacional" de este género del true crime tal y como lo concebimos ahora. Jean-Xavier de Lestrade docmenta el juicio de Michael Peterson, novelista acusado del asesinato de su esposa. Recientemente Netflix puso a disposición el documental completo junto a las "temporadas actualizaciones", la última de este mismo año.

'The Jinx (El gafe)', de Andrew Jarecki

Si 'The Staircase' es "fundacional" con 'The Jinx', HBO perfeccionó el género consiguiendo uno de los grandes fenómenos de la década. En seis partes y con una gran implicación del, valga la redundancia, implicado, Andrew Jarecki nos engancha en la investigación en torno a las muertes en "extrañas circunstancias" que rodean al millonario Robert Durst. El documental causó revuelo ante sospechas de que Jarecki guardó para la obra información clave que, de hecho, reabrió el caso.

'The Confession Tapes', de Kelly Loudenberg

Interesante documental en el que exploramos diversos casos de asesinato a través de las cintas de interrogatorio en el que los acusados confiesan el crimen. Una gran muestra del peso que tiene esta declaración en todo el proceso y cómo desde la policía se hace todo lo posible para obtener esta confesión.

'I am a killer'

Si nos ceñimos al término "documentales sobre criminales" pocos títulos son tan adecuados como este. En esta ocasión nos adentramos en el corredor de la muerte, donde los presos hablan a cámara sobre su caso y su culpabilidad. Al ser casos muy diferentes, la serie presenta altibajos y cierta sensación de poca cohesión.

'OJ: Made in America', de Ezra Edelman

Con 'El pueblo contra OJ Simpson', primera temporada de 'American Crime Story' se desató la necesidad de volver a hablar desde el punto de vista documental del caso del asesinato de su mujer. Esta obra de cinco episodios se llevó (no sin cierta polémica al no ser una película) el Óscar a mejor documental en 2017.

  • En España se emitió en Movistar Estrenos

'El investigador: historia de un crimen británico', de Hugh Ballantyne y Adam Wimpenny

Aunque cierta tendencia hacia ese sensacionalismo y la mano de Simon Cowell pueden estropear la experiencia, con tanto documental estadounidense es refrescante ver representada la idiosincracia británica en lo referente al sistema judicial y policial. La primera temporada se centra en la desaparición de Carole Packman, mientras que la segunda relata un número de casos que podrían estar relacionados con los encarcelados Peter Tobin y Angus Sinclair.

'Unsolved: The boy who dissappeared'

Para muchos fue la respuesta británica a 'Making a Murderer' y, de hecho, su formato (episodios de un cuarto de hora) hace que este documental de BBC Three sea altamente adictivo. 'Unsolved' peca, en su investigación de la desaparición de un adolescente en 1996, de esa búsqueda por el amarillismo, pero el producto final es bastante notable.

'La promesa', de Marcus Vetter y Karin Steinberger

Desde Alemania nos llega uno de los documentales más fascinantes del último lustro, 'Das Versprechen'. A lo largo de dos horas (troceadas en tres episodios para su emisión televisiva) conocemos el caso del asesinato de un matrimonio conocido e influyente de Virginia a manos de su hija y su pareja.

'La sombra de la verdad', de Yotam Guendelman y Ari Pines

Desde Israel llega un documental sobre el asesinato en 2006 de una chica israelí encontrada muerta en los baños de su colegio y su presunto asesino, un inmigrante ucraniano. Cada uno de sus cuatro episodios exploran un aspecto del caso, incluyendo una teoría de conspiración y un testimonio anónimo que podría cambiar todo lo que se dio por hecho en el momento.

'Muerte en León', de Justin Webster

Terminamos con una trilogía de documentales de crímenes en España y comenzamos con el seguimiento del caso del asesinato de Isabel Carrasco, presidenta de la diputación provincial de León. Sabiendo quién fue el culpable, Justin Webster comienza a explorar en cuatro episodios la vida de Carrasco, su entorno y qué llevó a Triana Martínez, Montserrat González y Raquel Gago a conspirar el crimen.

'El caso Asunta (Operación Nenúfar)', de Ramón Campos

Caso Asunta

No lo vi en su momento y sin pensarlo invertí parte de mis vacaciones a ver los tres episodios de 'El caso Asunta' con mis amigos. El resultado fue horas de pausar y comentar teorías y dar nuestras hipótesis: ese fue el nivel de enganche que tuvimos a este seguimiento del caso de la niña gallega asesinada, presuntamente, por sus padres.

'Yo fui un asesino: El asesino de la catana'

Uno de los últimos documentales españoles que hemos podido ver ha sido 'Yo fui un asesino', cuya primera entrega (de dos episodios) se ha centrado en conocer a José Rabadán, que con 16 años mató a sus padres y su hermano con una catana. El documental explora el caso y la vida de Rabadán tras salir de la cárcel.

Hasta aquí mi personal selección de los mejores documentales seriados de criminales. Estoy seguro que muchos de vosotros estáis enganchados a alguno de los que no están aquí, así que os dejo abiertos los comentarios para que nos digáis cuáles son para vosotros las mejores series de este género.

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"El arte resiste": el maravilloso discurso de Martin Scorsese en los Premios Princesa de Asturias

sábado, octubre 20, 2018 Recopilado por: AGNUS® PUBLICIDAD 0 comentarios

Nos ha regalado un icono imperecedero como Travis Bickle con su 'Taxi Driver', nos ha sumergido en el submundo de la mafia como ningún otro en piezas únicas y de la talla de 'Uno de los nuestros', 'Malas calles' o 'Casino', y ha cultivado con igual éxito otros géneros en maravillas como 'Toro salvaje', 'La edad de la inocencia' o 'Alicia ya no vive aquí'.

Martin Charles Scorsese nos ha hecho devotos y adictos del mejor cine que pueda concebirse. Un cine libre, sin límites ni tabúes creado a lo largo de cinco impecables décadas de carrera que le han hecho merecedor del Premio Princesa de Asturias de las Artes; galardón que el director ha recogido personalmente en Oviedo en un acto coronado por un discurso certero, emocionante y, sobre todo, inspirador.

Con sus palabras, y tras ensalzar la rica herencia cultural española, el maestro Scorsese ha hecho un análisis sobre el estado actual del arte y el cine; abordando una vez más en lo que él considera una devaluación del medio e instando a los jóvenes creadores a dar rienda suelta a sus instintos y necesidades, huyendo de modas, consignas y discursos prefabricados por las corrientes actuales. Pero será mejor que lo leáis vosotros mismos.

"Majestades, Distinguidos galardonados, Señoras y señores.

Gracias por este gran honor.

Siento en este instante humildad y sobrecogimiento. Sé que es costumbre expresar tales emociones en estas circunstancias, pero créanme, siento humildad y sobrecogimiento. Especialmente por estar en compañía de los demás galardonados y, por supuesto, en compañía de los premiados anteriores. Y por pisar la tierra que nos dio a Cervantes, Goya, Unamuno, Picasso, Lorca y Luis Buñuel, uno de los más grandes artistas de la historia del cine. ¿Cómo podría no sentirme así?

Este es un honor para el cine. Por tanto, acepto este premio en nombre del cine y con gran agradecimiento y gratitud hacia todos los artistas que me precedieron e hicieron posible el trabajo que yo he hecho. Porque no hay ni una sola película ni un solo cineasta que existan de forma aislada. Todos hemos estado inmerso en esta gran conversación continua, interrogándonos, respondiendo unos a otros y provocándonos mutuamente con nuestro trabajo a lo largo de distancias extraordinarias no solo en el espacio sino también en el tiempo.

Lo notable del cine para mí es que siempre es el presente. Siempre es el ahora. Para mí, las películas de Buñuel están más vivas y son más actuales que el último mensaje de texto que recibes, si sabes cómo utilizar un teléfono móvil. Peter Bogdanovich ha dicho que no existe una película antigua: es simplemente una película que no has visto.

Pero para mí lo más emocionante de estos tiempos es cuando veo una película de un cineasta joven o novel y me entusiasma o me veo transportado por lo que se llamaría un “gesto cinematográfico” de su creación. Podría ser una yuxtaposición de un plano a otro, podría ser una composición, podría ser un movimiento de cámara. Sé que me entusiasma porque me doy cuenta que el cineasta se sintió impulsado a hacerlo de ese modo. Tenían que contar esa historia particular con esas imágenes particulares. Eso es lo más precioso e inspirador para mí, porque así fue en mi caso: yo no podía descansar hasta que hice aquella película, de aquella manera. De lo contrario, simplemente no tiene sentido.

No tenía mucho que ver con el “negocio” del cine. Sí queríamos entrar en el negocio, pero casi únicamente para obtener el dinero para hacer las películas. De hecho, nunca me sentí un profesional, de veras. Sigo sin sentirme como tal.

Pero ahora, a los jóvenes cineastas, ¡qué tiempos les toca! ¡Cuántas oportunidades tienen! Pueden hacer una película con cualquier cosa. Todas las herramientas están ahí y son asequibles. Puedes hacer una película usando una de esas cámaras de teléfonos móviles. Cuando era más joven era bastante diferente. Lo mismo pasa con la historia del cine. La mayor parte de la historia cinematográfica de todo el mundo, de casi todas las décadas, es accesible en estos tiempos increíbles. No fue así en la década de los 50 del siglo pasado.

Pero, a pesar de estas oportunidades, estoy preocupado. Preocupado por el pasado del cine, sí, y muy preocupado por su futuro.

Me doy cuenta de que, en los aspectos prácticos de la sociedad, el arte es siempre tan frágil. Se critica, se margina y a menudo se trata como si no fuera esencial para la vida. Claro, esto se podría decir de todas las artes. Siempre hay alguien tratando de poner el arte y al artista en su sitio. “Es un lujo. Es una diversión”. Pero el arte resiste. Y cuando todo vuelve a su cauce, el arte sigue allí, todavía en pie, todavía presente, al margen de las influencias y las modas populares. El arte con mayúsculas funciona al margen de contexto. La obra se mantiene por sí misma, sigue siendo el presente, y en última instancia, también la necesidad de crear obra nueva en respuesta a eso.

Sin embargo, me preocupa el ambiente, el clima que rodea al cine hoy en día. Por un lado, tenemos ahora lo que siempre hemos tenido: el constante menosprecio y marginación del cine. O bien es solo escapismo, o, si merece la pena, es solo porque expone un problema, un mensaje.

Por otro lado, dondequiera que mires hoy en día, las veinticuatro horas del día, las imágenes en movimiento inundan nuestras vidas. Sé que el cine en sí está compuesto de imágenes en movimiento, pero ahora el cine se ha convertido en sólo una corriente dentro de un enorme torrente de imágenes en movimiento: los anuncios, los episodios de una serie de TV, un video de gatos o perros, videos didácticos, los reality shows, Lawrence de Arabia, reportajes y así sucesivamente. Todo se ha convertido en lo que llaman ahora “contenido”, una palabra que realmente no me gusta. Y el debate serio sobre el cine, el juicio crítico – particularmente en mi país– se ha cortado de raíz.

Ahora que el cine se está devaluando continuamente, y al mismo tiempo la tecnología permite que cualquiera “haga una película”, ¿qué supone eso para los jóvenes? Es posible que necesiten expresarse en una película, pero ¿qué tipo de inspiración reciben? ¿Cuál será el resultado? ¿Se están erosionando los valores de nuestro mundo de tal forma que no podemos estar seguros de si están inspirados por el arte y por la verdad? ¿O simplemente por lo comercial? ¿A dónde van para conseguir esa valiosa inspiración?

¿Quién apoya el arte y a los artistas y, lo que es más importante, el impulso de crear arte que se vale por sí solo? ¿Cómo cambiamos este clima venenoso que nos rodea por uno en el que un joven artista pueda seguir la luz que lleva dentro, esa chispa, esa alma… su duende?

Es de vital importancia mantener el arte en un lugar de honor y estima en nuestra cultura. Es aún más importante respetar la libertad de elección, pensamiento y acción que conduce a la creación del arte. Y darles a los jóvenes la confianza y la capacidad de trazar su propio camino en la vida para que sean capaces de no dejarse llevar por todas las consignas y los ganchos comerciales; para que puedan ver el camino que conduce a su propia luz interior. Y puede que eso lleve a la creación de arte con mayúsculas.

Ahí es donde comienza la verdadera lucha; la lucha por el espíritu. Como en el Don Quijote de Cervantes. Por supuesto, él luchó contra los molinos de viento. Se ha dicho que los molinos de viento pueden haber representado la tecnología de su época. Así que, para preservar el espíritu, luchó contra esa tecnología. Y con esa imagen en mente, una de las grandes y duraderas imágenes de nuestra civilización, podemos encontrar la manera de conquistar nuestra propia tecnología para que los artistas puedan usar esa tecnología en lugar de al contrario, donde la tecnología utiliza al artista.

Así que acepto este premio en nombre de la libertad y la revelación: la libertad de encontrar la tranquilidad y el enfoque para no dejarse llevar por todas esas categorías absurdas actuales, o por los juicios triviales, los sistemas de calificación y los pronunciamientos de moda, para poder llegar a ver todo el camino que conduce a la revelación de lo que no se puede nombrar, sino solo sentir y –para aquellos de nosotros que encontramos la gracia– expresar a través del arte.

Gracias".

Martin Scorsese Premio Princesa De Asturias De Las Artes 2018

He de reconocer que me han emocionado todas y cada una de las frases enunciadas en un discurso que destila pasión, amor y, a su vez, preocupación por un medio que, como bien remarca Scorsese, se está viendo pervertido por agentes externos de muy diversos tipos; dando pie a una paradoja en la que las facilidades que la tecnología está brindando a los nuevos creadores coexisten junto a unas restricciones morales y comerciales que hacen imposible desarrollar su arte.

Por suerte, toda esta visión negativa sobre la industria del cine y su deriva se disipará mientras sigan entre nosotros genios de la talla de Martin Scorsese. Y una vez nos dejen, su legado permanecerá intacto para que podamos disfrutarlo y seguir aprendiendo de él; porque como bien dice el bueno de Marty, "el arte resiste".

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