Noticias de la Pantalla Grande

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La Liga de la Justicia: Nueva imagen con Arthur Curry y Bruce Wayne

viernes, octubre 20, 2017 Recopilado por: AGNUS® PUBLICIDAD 0 comentarios
Continúan las novedades de la película 'La liga de la Justicia contando con dos de sus personajes principales, Aquaman y Batman, interpretados por Jason Momoa y Ben Affleck respectivamente.
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‘Drácula Barcelona’ o las tres caras del vampiro de Jess Franco

viernes, octubre 20, 2017 Recopilado por: AGNUS® PUBLICIDAD 0 comentarios

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Estrenado en el reciente festival de Sitges y ya disponible en Filmin, 'Drácula Barcelona' es un modesto pero singularísimo documental que parte de una de las películas más famosas de Jesús Franco, 'El conde Drácula' que rodó en 1969 con Christopher Lee y Klaus Kinski. Pero es solo el principio: 'Drácula Barcelona' estudia en profundidad una película derivada del 'Drácula' de Franco, 'Cuadecuc, vampir', y cómo ambas encontraron un insólito punto intermedio entre el cine de terror comercial y la experimentación pura.

El cine de Jess Franco, nuestro más prolífico autor de serie B, un auténtico adicto a la creación cinematográfica continua y al que intentamos hacer imposible justicia hace unos meses, continúa siendo objeto de revisión, estudio y reinvención. Se le ha considerado gamberro implacable y pícaro en los márgenes de la industria, padrino de los infragéneros patrios y artista total que se aprovechaba del buen estado que vivió el cine fantástico de bajo presupuesto durante décadas para desarrollar una visión de autor única.

Pero hay películas de Franco que siguen siendo desenterradas aún hoy. Remontajes y estrenos de tapadillo que se desconocían, rodadas en coproducciones absurdas entre países muy dispares, y que hoy siguen engordando la filmografía del autor. Y del mismo modo, la percepción que se tiene de su cine sigue cambiando: cada nueva generación de críticos cambia los enfoques y la forma de afrontar películas tan distintas como 'Gritos en la noche', 'Las vampiras' o esta 'El conde Drácula'.

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'Drácula Barcelona' forma parte de ese repensar las películas de Jess Franco como las de alguien que era algo más que un estajanovista del horror y el erotismo. También un autor que no solo iba a lo suyo, sino que estableció conexiones muy jugosas con la vanguardia de la época. Repasemos algo de lo que cuenta este documental revisando las tres patas sobre las que se sustenta el documental, los tres hitos vampíricos que son 'El conde Drácula', 'Cuadecuc, vampir' y la propia 'Drácula Barcelona'.

'El conde Drácula' (Jesús Franco, 1970)

Coproducida entre España, Italia, Alemania (donde se tituló, traducida, 'Por la noche, cuando Drácula despierta') y Francia (allí fue 'Las noches de Drácula'), 'El conde Drácula' no ha tenido nunca demasiada fama dentro de la filmografía de Franco. Su abierta y confesa intención de adaptar lo más fielmente posible la mítica novela de Bram Stoker choca con lo que siempre fue el director: un iconoclasta que disfrutaba dinamitando géneros, convenciones y alta cultura.

'El conde Drácula' nace claramente como una versión a rebufo de la estética y la fama de las películas de vampiros producidas por la Hammer, a las que Christopher Lee acusaba continuamente de no ser suficientemente fieles a la obra de Stoker (solo la primera de ellas respetaba la novela vagamente, pero se inspiraba más bien en la obra de teatro). El productor Harry Alan Towers fue el que puso en pie esta idea de una adaptación fiel, sabiendo que a Lee le interesaría el enfoque novedoso.

Towers quería contar con el gran Terence Fisher, director de las primeras películas de vampiros de la Hammer, para dirigirla, pero Fisher se negó. Towers se había fijado en Franco unos años antes, después del prestigio que el director había conseguido con películas como la extrañísima 'Necronomicón' de 1968, para muchos su mejor film. Towers y Franco empezaron a colaborar con 'Fu-manchú y el beso de la muerte', cuarta película de Towers sobre el villano oriental tras tres entregas previas protagonizadas por Lee.

Towers y Franco llegarían a rodar juntos nueve películas a lo largo de dos años. 'El conde Drácula' sería la última de ellas, donde chocaron definitivamente productor y director, dos personalidades conflictivas (Klaus Kinski decía que Towers pasaba la mitad del tiempo en prisión y la mitad del tiempo produciendo) que se habían entendido por sus muchas afinidades (Towers permitía a Franco rodar películas de un erotismo mucho más explícito de lo habitual) .

Sin embargo, 'El conde Drácula' no es una de las mejores películas de Franco, precisamente por ese autoimpuesto encorsetamiento y respeto a la obra literaria original. Sus valores como adaptación los encuentra, precisamente, cuando opta por salirse de la norma: ideas que estaban en la novela y nunca se habían adaptado, como los largos parlamentos del conde o la idea de que vaya rejuveneciendo según se alimenta de sus víctimas.

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La adaptación de Jesús Franco peca de estar excesivamente encorsetada por el respeto a la novela original, pero en sus mejores momentos, la voluntad iconoclasta del director sale a flote.

Pero como de costumbre, el mejor Franco aparece cuando toma decisiones de urgencia para solucionar problemas vinculados al bajo presupuesto y crea cine fantástico con esa despreocupación tan suya: los animales disecados, los efectos de sonido imposible, los fallos de raccord o los zooms infernales que atraviesan la lógica narrativa... Por supuesto, Lee no quedó contento con esta adaptación "definitiva", como no lo quedó Towers debido al fracaso en taquilla. Pero el fan de Franco y de la novela puede recrearse en aspectos muy afortunados de la película, como la demencial interpretación de Klaus Kinski como Renfield, aquí en uno de sus papeles más memorables.

'Cuadecuc, vampir' (Pere Portabella, 1970)

El origen de 'Cuadecuc, vampir' es absolutamente insólito: el cineasta de vanguardia Pere Portabella, vinculado a la Escuela de Barcelona, llegó a un acuerdo con Jesús Franco para rodar, de forma simultánea a la suya, una película experimental, muda, en blanco y negro y en 16 mm (en negativo de sonido). El resultado no es exactamente un making of de 'El conde Drácula', sino que se parece más a un comentario audiovisual y con su propia narrativa con la película de Franco como excusa.

'Cuadecuc, vampir' se alimenta (vampiriza, podría decirse) de metraje tomado exclusivamente durante el rodaje de 'El conde Drácula'. Desde pausas entre tomas, donde el equipo prepara la grabación, a planos rodados desde la misma perspectiva y planificación que Franco, pero obviamente cambiando el tono y el ritmo del montaje. Si 'Cuadecuc, vampir' se hubiera rodado con medios convencionales, sería un making of al uso.

Pero la atmósfera de blanco y negro saturado lo inunda todo, y hasta imágenes mundanas como las de operadores preparando niebla artificial o decorando una puerta con telarañas adquieren una poética de puro cine fantástico que entroncan con el expresionismo mudo. La película consigue ser más agresiva en lo visual que la de Franco, que encuentra sus mejores armas en una sobriedad escenográfica poco habitual. La de Portabella, partiendo de los mismos elementos, es todo lo contrario: recargada, excesiva e irreal.

Y pese a la experimentación, Portabella no renuncia al humor. Hay un tratamiento desmitificador del mito de Drácula y del propio hecho de rodar cine muy clarificador de las inteniones del director, a su manera tan iconoclasta como Jesús Franco. Christopher Lee desmaquillándose, Jack Taylor ayudando a entrar en su ataúd a la vampiresa Soledad Miranda, o Drácula y Harker mostrados en diálogos... a través de los planos de recurso en los que no están dialogando.

Todo ello da pie a una película tan radical como sencilla y obvia en su belleza desmitificadora. Una película que no pudo ser estrenada en su momento por la fobia que tenía el franquismo al cine experimental, empezando por un concepto tan básico como no estar rodada en 35 mm. Convertida en un artefacto de culto muy poco visto, 'Cuadecuc, vampir' fue finalmente recuperada y estrenada con todos los honores en 2008.

'Drácula Barcelona' (Carles Prats, 2017)

Y finalmente, este año llega esta curiosísima e ilustrativa película sobre el choque en 1969 de dos personalidades tan distintas y, a la vez, tan afines, como las de Franco y Portabella. Este sencillo documental de Prats incluye declaraciones de todos los implicados en ambas películas, desde actores y actrices hoy día a declaraciones de los ya fallecidos Lee y Franco, pasando por observaciones de expertos en el cine de Franco y la vanguardia catalana de la época, como Jordi Costa, Álex Mendíbil, Carlos Aguilar o Esteve Riambau.

'Drácula Barcelona' hace un excelente trabajo contextualizando las películas de Franco y Portabella y poniéndolas en común. Lo hace hasta tal punto que no es necesario haber visto las películas para disfrutar del documental: los directores, sus respectivas circunstancias y los entornos en los que se rodaron ambas obras son debidamente explicados a fondo por expertos en el tema... y por gente que estuvo allí.

Sin embargo, Carles Prats (documentalista con una extensa obra en su haber, a menudo enmarcada en el estudio del cine y la música de raíz más popular y arraigada en Cataluña) consigue que 'Drácula Barcelona' brille especialmente al vincular de forma clara y directa la obra de Franco y las inquietudes de la vanguardista Escuela de Barcelona, de donde salía Portabella. El inconformismo, la experimentación y el antifranquismo unía filmografías aparentemente dispares.

Las declaraciones de Portabella también son valiosísimas para juzgar en su justa medida el tremendo atrevimiento que en su día supuso un proyecto como 'Cuadecuc, vampir'. Usar como base un cine considerado como populachero y poco culto por sus propios compañeros de generación, más afines a la estética de la nouvelle vague, y por otra parte acercarse a una serie B de terror con modos de autor, hacen de él una personalidad única, y 'Drácula Barcelona' hace un estupendo trabajo explicándolo.

Porque al final, 'Drácula Barcelona' es una rendida declaración de amor a los artistas que, desde las trincheras de la experimentación o de los géneros populares, imponen su personalidad saltándose reglas y haciendo su voluntad. Los auténticos terroristas de la imagen, los vampiros de la imaginación.

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[Cine] Thor: Ragnarok: el motivo del cambio de escenario de la escena de destrucción del Mjolnir, nuevo TV Spot y banda sonora ya disponible

viernes, octubre 20, 2017 Recopilado por: AGNUS® PUBLICIDAD 0 comentarios

Póster IMAX de Thor: Ragnarok (2017)Los últimos vídeos que venimos viendo de “Thor: Ragnarok” incluyen una ligera variación en una de las escenas. La escena de la destrucción del Mjolnir de Thor a manos de Hela se situaba en el primer trailer en un callejón. Sin embargo, los últimos vídeos sitúan esa escena en un campo abierto o pradera.

El director Taika Waititi ha explicado que el cambio se debe a cuestiones del tono dicha escena, y lo que se quería transmitir con ella. Detalla el cineasta que ocurren más cosas en torno a dicha escena que requerían de un escenario bien diferente al de un callejón. Sus palabras las podéis encontrar tras el salto.

Junto a esto, sumamos otro nuevo TV Spot que, de nuevo, nos deja escenas completamente nuevas no antes vistas en sus breves 30 segundos.

Además, las críticas ya van llegando a Rotten Tomatoes, situada ahora mismo como la película con mayor calificación de Marvel Studios. No obstante, esta puntuación suele variar,como ya sabemos, cuando estén las críticas del público general, que a veces suelen tener un punto de vista diferente al de los críticos. Actualmente se sitúa en 98%, con una puntuación media de 7,9 sobre 10, frente al 77% y nota media 6,7 de “Thor”, o el 66% y media de 6,2 de “Thor: El Mundo Oscuro”.

Finalmente, informar antes del salto que la banda sonora de la película está ya disponible en iTunes y en Spotify.

Curiosamente, al abordar la explicación del cambio de escenario para la escena del martillo, Waititi se explaya y llega hasta comentar detalles que consideramos que puede ser mini-spoilers, al describir qué más rodeará a dicha escena.

Captura del trailer de Thor: Ragnarok (2017), Hela

Originalmente rodamos algunas de esas cosas en nuestro set de Nueva Yorki. Lo que queríamos hacer era que bajaran a la Tierra y vieran a Doctor Strange y todo eso, pero me pareció demasiado fácil que de repente se encontrase en un callejón, y luego todo fuese tan rápido -explica Waititi sobre la escena del martillo y Hela-. Queríamos ir a un lugar pacífico y realmente relajarse con esos personajes y estar con Odin mientras imparte esta sabiduría y esas cosas y no tener que escuchar estúpidos taxis amarillos con el claxon por detrás.

Sentí que era un lugar horrible para tener una escena que podría ser muy emotiva para lo que sucede con Odin y los chicos, y la primera vez que vemos a los tres chicos todos juntos, y él diciéndole que les ama y reconoce a Loki como su hijo. Fue muy importante para nosotros estar en un bello entorno pacífico.


Sinopsis: En “Thor: Ragnarok” de Marvel Studios, Thor es encarcelado en el otro lado del universo sin su poderoso martillo y se encuentra a sí mismo en una carrera contrarreloj para regresar a Asgard y detener el Ragnarok – la destrucción de su mundo natal y el final de la civilización asgardiana – en manos de una poderosa nueva amenaza, la implacable Hela. Para escapar del cautiverio y salvar su hogar de una destrucción inminente, Thor debe primero ganar un concurso alienígena mortal derrotando a su anterior aliado y compañero vengador… El Increíble Hulk.

Dirigida por Taika Waititi, el reparto lo protagoniza por Chris Hemsworth como Thor, junto a Tom Hiddleston como Loki, Mark Ruffalo como Hulk, Idris Elba como Heimdall, Anthony Hopkins como Odín, Ray Stevenson como Volstagg, Tadanobu Asano como Hogun y Jaimie Alexander como Sif. A este reparto se le suman nuevas caras, como la Cate Blanchett como la villana Hela, Tessa Thompson como Valkyrie, Karl Urban como Skurge, Jeff Goldblum como Grandmaster, y Sam Neill.

“Thor: Ragnarok” se estrenará el 27 de octubre de 2017 en España y el 3 de noviembre de 2017 en Estados Unidos.

Vía información | Rotten Tomatoes | DigitalSpy

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[Cine] Aquaman luce nuevo aspecto en las últimas imágenes del set de la película

viernes, octubre 20, 2017 Recopilado por: AGNUS® PUBLICIDAD 0 comentarios

Aquaman en El trono de Atlantis

A pesar de que se había informado del final del rodaje de “Aquaman”, llega nuevo material en forma de imágenes y un vídeo del set de rodaje en la película en la playa de Currumbin, Australia.

La escena está protagonizada por Amber Heard y Jason Momoa en sus respectivos papeles de Mera y Aquaman. Una escena sobre la que destaca que el Rey de Atlantis luce una armadura diferente a la que le habíamos visto hasta ahora.

De momento no hay detalles de hasta cuándo se seguirá rodando la película o si es una escena puntual.

Imagen del set de Aquaman (2018) en Currumbin, Australia Imagen del set de Aquaman (2018) en Currumbin, Australia
Imagen del set de Aquaman (2018) en Currumbin, Australia

Imagen del set de Aquaman (2018) en Currumbin, Australia

Imagen del set de Aquaman (2018) en Currumbin, Australia

 


“Aquaman” se centrará en Aquaman como el reacio gobernante del reino subacuático de Atlantis que se ve atrapado entre los habitantes de la superficie, que siempre están contaminando el globo, y su propia gente, que está lista para invadir la superficie.

Protagonizada por Jason Momoa como Aquaman, escrita por Will Beall a partir de una historia creada por James Wan y Geoff Johns y dirigida por James Wan, “Aquaman” tiene un estreno previsto para el 21 diciembre de 2018 tras retrasarse una primera vez, y retrasarse una segunda vez.

Los otros protagonistas son Amber Heard como Mera; el nominado al Oscar Willem Dafoe como Vulko;Temuera Morrison como Tom Curry; Dolph Lundgren como Nereus; Yahya Abdul-Mateen II como Black Manta; con Patrick Wilson como Orm/Ocean Master; la ganadora del Oscar Nicole Kidman como Atlanna; y Michael Beach, que sería Jesse Kane, quien forma parte de un grupo de secuestradores de alta mar que tiene una interacción fatídica con Aquaman, aunque hay rumores de que podría ser realmente Black Manta, es decir, padre del que ejercería de villano de la película en la piel del actor Abdul-Mateen II.

El rodaje comenzó a principios de mayo, siendo sus principales localizaciones a lo largo de la Costa Dorada de Queensland, Australia, realizando gran parte de la filmación en los Estudios Village Roadshow. La producción utilizará sus extensas instalaciones con un gran terreno y los nueve estudios de sonido VRS, que incluyen el moderno Stage 9, el más grande de su clase en el Hemisferio Sur. El rodaje también se realizará en Newfoundland, Sicilia y Túnez y terminó a finales del mes de septiembre.

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'Handia', una preciosa y emocionante fábula

viernes, octubre 20, 2017 Recopilado por: AGNUS® PUBLICIDAD 0 comentarios

Handia Poster Esp

‘Loreak’ dio a conocer a muchos cinéfilos a los directores vascos Jon Garaño y Jose Mari Goenaga. Era en realidad su segundo largometraje y lo lógico sería que hubiera un tercero, pero Garaño apostó por realizar su siguiente trabajo tras las cámaras con Aitor Arregi, uno de los guionistas de ‘Loreak’, mientras que Goenaga participa en esta ocasión únicamente en el libre. Se cambian las posiciones pero se mantienen los mismos implicados.

Eso lleva a que muchos vayan esperando encontrar algo que les guste tanto como ‘Loreak’ cuando en realidad ‘Handia’ es otra cosa y esas expectativas pueden volverse en su contra. En mi caso creo que incluso han logrado superarse con una cinta deslumbrante en lo visual y que además conserva esa delicadeza a la hora de abordar los personajes y sus relaciones para que sea además una propuesta emocionante.

Entre la realidad y la leyenda

Imagen Handia

Garaño y Arregi toman como base para ‘Handia’ la leyenda del gigante de Altzo, quien realmente existió, pero a su alrededor ha surgido una mezcla de realidad y mito que han querido exprimir a fondo. De esta forma, ‘Handia’ echa raíces en la vertiente más realista de la historia, pero introduciendo todos los detalles que creen convenientes para realzar su historia, algo a lo que incluso aluden durante cierta escena en la que un personaje mezcla la historia de ambos hermanos a la hora de comentar lo que ha trascendido sobre el gigante.

No obstante, lo que realmente les interesa a Garaño y Arregi no es cómo es visto un joven que un día enfermó y luego no dejó de crecer hasta el día de su muerte. El verdadero eje de ‘Handia’ es la confrontación dos formas de vida contrapuestas, el tradicional representado por la familia protagonista y el nuevo que nos deja entrever los diferentes viajes que realizan ambos hermanos para conseguir dinero a cambio de simplemente mostrar a la gente la enorme estatura de uno de ellos.

Por ello, la base emocional del relato está en la evolución de ambos hermanos y cómo va eso afectando a la relación que hay entre ellos. El mayor -en edad- simplemente quiere conseguir el dinero suficiente para iniciar una nueva vida en América, mientras que el menor quiere regresar con los suyos y mantener la única vida que conocía. En principio estaban destinados a ser felices juntos llevando el caserío familiar, pero algo les separa y luego tardan mucho en volver a estar realmente juntos pese a la proximidad física.

Dos hermanos muy diferentes

Escena Handia

Durante muchos minutos, el verdadero protagonista es Martin -excelente Joseba Usabiaga-, quien no tarda en mostrarse más preocupado en encajar en esa nueva sociedad sin éxito suficiente -hasta llegan literalmente a reírse de él por ello-. En realidad él no está destinado a conseguirlo y por el camino no dejan de aparecer trabas que van amargando su carácter, ya de por sí dañado tras su paso por la guerra carlista.

En oposición a él tenemos a Joaquín -magnífico Eneko Sagardoy-, un buenazo que se ve poco menos que obligado a convertirse en una atracción de feria tras el regreso de su hermano. Era un negocio infalible en esa época, ya que todo lo extraordinario llamaba la atención de la gente y eso equivalía a dinero para sus responsables. Su éxito llega a traspasar fronteras, pero todo lo que sube tiene que bajar y la decadencia es especialmente dura para aquellos que sufren de gigantismo. Aquí incluso hay algún detalle chocante, pero lo cierto es que encaja con todo lo visto antes y después.

¿Cómo unen esto Arregi y Garaño? A través de un relato que avanza con tranquilidad y en el que simplemente todo va desarrollándose de forma natural. En este caso hablar de que es previsible sería exagerado, pues lo que quieren es cuidar con mimo el factor humano, apostando por lo íntimo cuando tenían a su disposición un trabajo técnico rara vez visto en una cinta española, sobre todo si tenemos en cuenta lo fascinante que resulta en ese apartado pese a haber costado apenas 3,5 millones de dólares.

‘Handia’, sin prisa pero sin pausa

Sagardoy

Eso lleva a que el ritmo sea necesariamente pausado, extendiéndose bastante en toda la parte central. Lo curioso es que nunca llega a caer en lo redundante, aportando nuevos detalles, ya sea a la actitud de los protagonistas o sobre cómo es visto por el público. Dicho de otra forma, no emociona por la abundancia de hechos, sino por el mimo con el que se cuidan todos ellos y cómo cada uno de ellos va aportando cosas a lo visto con anterioridad.

De esta forma, ‘Handia’ no es solamente hermosa visualmente -aunque hubiera sido bien recibido un poco más de arrojo en el manejo de la cámara por parte de Arregi y Garaño-, sino que logra también serlo en lo narrativo. Es ahí donde más se nota que detrás de ella tenemos a los mismos autores de ‘Loreak’, en especial cuando llega la hora de contar la decadencia del gigante, una persona mucho más frágil de lo que su apariencia muestra.

Es ahí cuando la relación entre ambos llega a otro nivel y se intensifica ese halo de tristeza que había sobrevolado en todo momento sin llegar nunca a desaparecer por completo. La magia ha desaparecido y toda lidiar con la dura realidad, y es ahí donde reaparece la idea de que ‘Handia’ no es para nada revolucionaria -en lo referente a efectos visuales quizá sí pero solamente dentro del cine español- y que no quiere sumergir realmente al espectador en la historia, sino hacer que simplemente sienta las emociones que buscan sus responsables. Y lo consigue.

En definitiva, ‘Handia’ es una película notable con la que sus responsables aplican lo aprendido en ‘Loreak’ a un escenario más ambicioso, logrando tocas las mismas teclas en lo emocional sin llegar a repetirse y aprovechando al máximo el mayor presupuesto para realizar un magnífico despliegue técnico. Ojalá películas como ésta más a menudo.

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[Cine] Liga de la Justicia: imagen de Aquaman y del Batmóvil con las amazonas

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Imagen de Aquaman en Liga de la Justicia (2017)

Desde Total Film nos llega una nueva imagen de “Liga de la Justicia” centrada en Aquaman, en la que le vemos nadando bajo el agua. Por lo visto en los trailer, podremos disfrutar en la película de alguna escena de acción bajo el agua. Interesante será ver el resultado de dichas escenas.

Por parte, desde Total Magazine, llegan unas declaraciones, que dejamos tras el salto, de Jason Momoa en las que habla de la relación que hay entre su personaje Aquaman y Cyborg, que no será especialmente buena, al menos al principio.

Igualmente tras el salto, tenemos la imagen de hoy de detrás de las cámaras de Zack Snyder, en donde vemos a las amazonas junto al Batmóvil.

Cyborg y yo no nos llevamos bien. No confío en él para nada. Con el tiempo, eso cambiará. Es lo mismo con Bruce [Wayne]. Estoy en plan, ‘Nah, no me convence’.

Imagen oficial del set de Liga de la Justicia (2017)

Vía información | Total Magazine

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